Como é possível ter bastante informação a respeito do Cemitério da Consolação (São Paulo – SP) pela Internet e eu mesmo já falei dele aqui, decidi fazer, hoje, um post totalmente visual para dividir com vocês algumas de minhas fotos preferidas feitas lá.

A minha parte é mostrar que onde muitos veem dor e morte, eu vejo arte. A de vocês, hoje, será sugerir títulos para as fotos. Só a primeira já tem: “Nós que aqui estamos por vós esperamos”.

Espero que gostem. Aguardo sugestões.

.

.

.

.

.

.

.

.

.

Estas fotos podem ser vistas em tamanho maior no Flick Arte Tumular.

Confesso: sempre que me proponho a falar sobre cemitérios, penso em algo bem definido, mas começo a viajar nas fotos, percebo novos detalhes, descubro novas histórias e, de repente, há quase um livro em minha cabeça. Quando pensei em escrever sobre a Necrópole São Paulo, imaginei partir das obras de Alfredo Oliani, autor de O último adeus, sobre o qual falei no texto anterior (Sexo, amor e morte). Quando comecei a escolher as fotos dentre as mais de 500 que fiz em dois corridos dias de visita àquele cemitério, lembrei de tantas esculturas lindas e tantas histórias que passei um dia inteiro recordando tudo que vi por lá.

O Cemitério São Paulo (ou Necrópole São Paulo, como ostenta em sua fachada) me pegou de surpresa. Eu vinha de dois dias inteiros fotografando o da Consolação. Havia andado quilômetros e quilômetros sob sol forte, estava cansado, desidratado, com braços e mãos tremendos depois de quase 3 mil cliques e com um belo bronzeado de cemitério (só rosto e braços queimados). Imaginei que não veria tantas nem tão interessantes obras quanto nos cemitérios da Consolação e do Araçá,  mas estava completamente enganado.

O São Paulo começou a funcionar em 1926 por conta da superlotação dos cemitérios da Consolação (inaugurado em 1858) e do Araçá (1887). A essa altura, outros cemitérios públicos já haviam sido criados e as divisões de classes sociais também estavam estabelecidas na morte. Os ricos precisavam de mais espaço e assim surgiu o São Paulo. Valendo-se de quase 70 anos de experiência, a nova necrópole nasceu e cresceu mais organizada. As ruas por onde transitam os carros são mais largas, os espaços entre as quadras são desenhados em arcos, há muita luminosidade, é tudo muito aberto e a área está em um declive – quando você sobe em direção à colina central, vai vendo a cidade do lado de fora. É muito agradável.

Chegando lá, pela primeira vez, a apenas uma hora antes do encerramento do expediente e sem conhecer nada, tive que confiar plenamente nos conhecimentos de um dos funcionários, que me fez o favor de mostrar, tão rápido quanto possível, o que havia de melhor e mais representativo. Foi no túmulo de uma família italiana (Parello) que vi um conjunto escultórico diferente de tudo que conhecia. A obra mostra duas jovens, separadas por um muro ou uma parede, que parecem brincar de esconde-esconde. Elas estão se divertindo (o detalhe do sorriso na foto que abre este texto é daquela que parece estar se escondendo) e é impossível não notar, de imediato, que a cena mostra a morte de uma maneira muito diferente e mais leve do que se costuma vê-la. Em algum instante, o jogo de esconde vai terminar e as pessoas voltarão a se encontrar, a ficar juntas. No muro que as separa há ainda uma placa com um poema, em italiano, que reforça a ideia da transformação, da passagem do tempo e do pedido de paciência e percepção que se deve ter a respeito da morte. É a conversa de uma filha com a mãe, dizendo que retornará, levantando-se da terra como uma flor e, quando isso acontecer, elas se reconhecerão. A composição é um acróstico que forma a seguinte mensagem: Mariana Parello delicato fiore (delicada flor).

Outro conjunto que chama atenção, logo na entrada, próximo a O último adeus, é também um obra de Alfredo Oliani, de 1949. Ele mostra quatro personagens: dois homens carregando um terceiro, morto, enquanto uma mulher demonstra seu pesar. Se pudessem ficar em pé, cada criatura teria mais de dois metros de altura. É feito em bronze e, como em outros trabalhos de Oliani, os detalhes impressionam.

Logo de início, achei que o São Paulo concentrava um grande número de túmulos de famílias italianas, assim como trabalhos de escultores italianos ou descendentes. Além de Alfredo Oliani, há obras de Victor Brecheret, Luigi Brizzolara, Nicola Rollo e Antelo Del Debbio, para citar somente os mais conhecidos.

Os Anjos, de Brecheret, no túmulo da Família Scuracchio, está entre as obras mais representativas dos escultores ítalo-brasileiros no Cemitério São Paulo.  Também é interessante saber que Brecheret, autor do Monumento às Bandeiras, da Graça (Galeria Prestes Maia), do Fauno (Parque Trianon) e de várias obras para túmulos de cemitérios paulistanos foi sepultado lá. Seu túmulo é extremamente simples. Só percebido e lembrado graças a uma pequena placa com sua efígie e datas de nascimento e morte. Muito diferente dos grandes monumentos mortuários que fez para a aristocracia paulistana.

Exemplos de ostentação e orgulho eterno não faltam. Alguns, mesmo católicos, pareciam não ligar para a soberba como um dos pecados capitais. O mausoléu do Comendador Joaquim Gil Pinheiro é desses que se veem de longe. Tem pelo menos 8 metros de altura, é cheio de placas e títulos, tem a entrada ladeada por duas esculturas de santos em tamanho natural, um busto do comendador do lado de fora, outro do lado de dentro, além de uma representação mortuária de corpo inteiro (comum entre nobres e clérigos na Europa, mas raro por aqui). Do lado de fora, o Comendador avisa: “Aqui jazem os meus ossos neste campo de egualdade pois que esperam pelos vosso quando Deus tiver vontade. – J. Gil Pinheiro”. No interior, acima do corpo de mármore, outra placa na qual se lê: “Aqui jazem os restos mortaes do Commendador Joaquim Gil Pinheiro nascido em Portugal no anno de 1855, que muito amou o Brasil, com especialidade São Paulo, onde viveu 48 annos até o dia de seu fallecimento a 28 de novembro de 1926. Orae por elle.”

Muitas personalidades conhecidas foram sepultadas no São Paulo e também possuem belas obras em seus túmulos como o empresário José Ermírio de Moraes e o desenhista Belmonte. Estas e outras, você confere no Flickr Arte Tumular.

Quem me conhece ou acompanha o blog há mais tempo não se assombra com meus textos e fotos sobre cemitérios. Sempre gosto de lembrar: cemitérios são museus. Em relação ao Brasil, falo dos modelos surgidos em meados do século XIX e que foram registrando a História, com mais intensidade, até os anos 1960.

Conheço muita gente que estranha minha familiaridade com as necrópoles e diz que só vai pisar em um cemitério quando estiver morta. Devo avisar: morto, ninguém pisa em lugar algum. Tampouco poderá apreciar toda a riqueza artística e histórica que há em alguns como os da Consolação, Araçá e São Paulo (os três na capital paulistana e sobre os quais falarei nos próximos textos) ou São João Batista e do Caju, no Rio. Portanto, um conselho: aproveite para ir a cemitérios enquanto está vivo.

Resolvi começar esta nova série mostrando um bom motivo para ninguém ter medo dessas visitas, falando de coisas que todos querem em vida: amor e sexo. Sim, eles estão lá, representados de várias formas. Sexo?! Sim. Ou, caso prefira, o amor sensual, o erotismo. Os três mais belos exemplos que conheço estão em São Paulo. Dois deles, desde os anos 1920.

Solitudo, o primeiro nu feminino do Cemitério da Consolação, é de 1922 e foi esculpida por Francisco Leopoldo e Silva. Trata-se da figura de uma mulher em aparente êxtase sensual. Esculpida em granito, tem detalhes que só podem ser devidamente apreciados in loco. O que na foto parecem ranhuras são detalhes de um véu translúcido.  Segundo informações de José de Souza Martins, que constam no folder História e Arte no Cemitério da Consolação,

“(…) foi esculpido para a sepultura do advogado Teodureto de Carvalho e sua esposa, família antiga de São Paulo e Minas. O pai de Teodureto, Teodoro, foi chefe de polícia, secretário da Agricultura e senador estadual. Francisco Leopoldo e Silva era de Taubaté, como seu irmão mais velho, Duarte, futuro arcebispo de São Paulo. (…) Foi professor primário e estudou arte, tendo recebido bolsa para estudar escultura em Paris, retornou ao Brasil durante a Primeira Guerra, e com família já constituída, foi para Roma, após o conflito, para se aperfeiçoar. Já estudara aqui com Amadeu Zani, autor de várias obras expostas em lugares públicos de São Paulo e também no Cemitério da Consolação. Sofreu influência de Rodin. Teve estúdio no Palácio Episcopal, no início dos anos vinte, quando era arcebispo seu irmão, dom Duarte, na rua São Luís, onde é hoje a Biblioteca Municipal Mário de Andrade. Aparentemente, ali esculpiu Solitudo (…)”.

A Interrogação está no túmulo de Moacyr Piza, jovem advogado e escritor que viveu um intenso e trágico romance com Nenê Romano, uma linda cortesã de luxo. A escultura, em granito, também é de Francisco Leopoldo e Silva. Segundo contam, foi colocada no túmulo de Piza aproximadamente um ano após sua morte, ocorrida em 1923. O advogado de 32 anos matou-se com um tiro, dentro de um táxi, após matar a amante.

“Nenê Romano era o nome pelo qual se conhecia Lina Machiaverni, imigrante italiana cuja família chegara ao Brasil quando tinha dois anos de idade. Fora costureira no Brás. Moça lindíssima, acabou se tornando conhecida cortesã, companhia de homens famosos e poderosos. Era odiada pelas mulheres da elite. Num corso de carnaval, na avenida Paulista, jovem mancebo de família rica jogou-lhe um bilhete, o que foi percebido pela namorada, de uma das mais ricas famílias de fazendeiros de café. A moça ajustou dois jagunços da fazenda da família, em Ribeirão Preto, para que dessem um corretivo à cortesã. Nenê Romano levou uma navalhada no rosto num atentado de 1918, que a desfiguraria. Apresentou queixa e iniciou processo contra a mandante do crime. Mas o processo foi ficando pelas gavetas, pois era ação de prostituta contra gente poderosa.

“Nenê, então, contratou Moacir Piza, advogado já famoso, para que desemperrasse o processo. Moacir Piza se apaixonou por ela. Estiveram juntos por dois anos na boemia, namorando em hotéis e táxis. Mas Nenê começou a sair novamente com outros homens, desinteressou-se por ele, que se tornara homem relapso em relação ao trabalho como jornalista e advogado. O namoro acabou. Moacir Piza foi procurá-la na noite de 25 de outubro de 1923, na tentativa de reatar o relacionamento. Ela estava de saída. Ele insistiu para que ela entrasse no táxi, para conversar. Na esquina da avenida Angélica com a rua Sergipe matou-a com quatro tiros e matou-se em seguida, caindo sobre ela. A vingança da namorada do almofadinha que cortejara Nenê Romano já era indicação de que, entre as mulheres, culpada era a mulher, em casos assim. A escultura de Francisco Leopoldo e Silva, em forma de interrogação, também expressa a mentalidade da época em relação a mulheres como Nenê Romano: por quê? Que sentido tinha o suicídio de um moço de família antiga, parente de políticos, advogado estabelecido, boêmio conhecido, de vida alegre e de bem com a vida, que se apaixonara por uma pobre proletária do Brás, garota de programa de ricos e poderosos?”

A história virou filme. Desatino, curta de Dimas Oliveira Junior, lançado em 2008.

O último adeus, de Alfredo Oliani, está no túmulo da Família Cantarella, no Cemitério São Paulo.  A foto logo acima, a que abre este texto e também a que ilustra o texto anterior (Da urgência dos que conhecem a morte) mostram a obra. Diferente das visitas aos cemitérios da Consolação e do Araçá, nas quais tive, respectivamente, as companhias de Popó e Fininho (falarei de ambos nos próximos textos), no São Paulo, não pude contar com alguém que me tirasse determinadas dúvidas. E, você sabe, quanta maior a curiosidade, mais perguntas aparecem.

Ao nos depararmos com o enorme casal de bronze representado em O último adeus, a primeira ideia que vem à mente é de um homem que perdeu a mulher amada. É isso que vemos. Um homem jovem, vigoroso, nu (os detalhes perfeitos da musculatura impressionam) beijando uma mulher, também jovem, de olhos fechados, já morta. Mas, na realidade, aconteceu o contrário. A obra foi encomendada por Maria Cantarella, viúva de Antonino Cantarella, falecido em 1942. Os papéis são invertidos. Parece-me que ela quis representar não só a imortalidade do amor e da paixão do casal, mas apresentar, principalmente, a quem vê o monumento, o homem de sua vida em todo seu vigor, pleno, vivo. E ela, morta. Talvez seja uma representação mais perfeita da saudade. Quem fica é condenado a uma morte em vida. “Ao Nino, meu esposo, meu guia e motivo eterno de minha saudade e de meu pranto”, são os dizeres na lápide ao lado. Maria, dez anos mais jovem, só se juntaria ao amado quatro décadas depois.

Além das interpretações que a história – contrária ao que se vê – pode gerar, surgem outras dúvidas. Infelizmente, a ação de vândalos contribui em muito para apagar os registros históricos mais visíveis. Muitas vezes, o visitante comum sequer saberá quando o homenageado nasceu ou faleceu, já que os números ou placas com datas são arrancados. No caso de O último adeus, isso me chamou bastante atenção. Na sepultura, a data de morte de Nino aparecia da seguinte maneira: 23-*2-1*4* (onde os asteriscos representam os números arrancados). Tudo que se poderia dizer é que havia morrido na antevéspera do Natal de algum ano na década de 1940. Mas há uma informação que confunde ainda mais. Na base do monumento, lê-se: A. OLIANI – S. PAULO 30-06-928. Como a estátua teria sido feita em 1928 (não há o “1” no entalhe) se foi encomendada após a morte de Nino, em 1942? Um pouco mais de conhecimento histórico-biográfico e a confusão aumenta. Em 1928, Alfredo Oliani tinha apenas 22 anos de idade e estava iniciando seus estudos. Obra criada em 1928, mas só executada em 1942 após a encomenda? Entalhe feito posteriormente com data errada?

A atenção a esses detalhes levam a novas visitas, às buscas nos arquivos dos cemitérios, ao estudo da vida e da obra dos artistas, à familiarização com seu estilo, ao reconhecimento de outras obras sem que se precise conferir a assinatura… Histórias pessoais e História da Arte é o que encontramos em cemitérios. São cheios de vida e de vidas.

No próximo texto, um passeio pelo Cemitério São Paulo, mais obras de Oliani e de outros escultores que deixaram sua marca não só nas necrópoles, mas também do lado de fora delas.

* * * * * *

Confira todos os textos sobre passeios em cemitérios e arte tumular.
Dezenas de fotos dos cemitérios que visitei no Flickr Arte Tumular.

“Venha! Venha! Chegue! Chegue! Olhe. Bonito, né? Fotografe. Venha, venha…” Era assim, tocado como um boi desgarrado da manada, que minha guia me fez percorrer, em 20 minutos, praticamente todas as partes da Igreja de São Francisco em João Pessoa (PB). Vinte minutos que para ela teriam sido cinco se eu não me fizesse de doido e mouco à sua toada sem freio. Ela foi cansando e logo já era um aboio, triste, ao longe, “tchau, moço” e me abandonou ali na porta da, segundo ela, “capela de São Francisco, porque a Igreja mesmo é de Santo Antônio”. Prestes a me ver livre, nem quis discutir. Fica para a próxima saber qual santo é dono de qual parte, quem fica com a nave principal, quem fica com a capela que tem uma vista linda e na qual se pode passar horas somente olhando para o teto.

Essa minha segunda ida à Igreja de São Francisco foi em busca de suas sereias. Nem sabia que havia tanta coisa linda, além delas, para se ver ali. E há! Na próxima, passarei horas. Esteja avisada, dona venha-venha-chegue-chegue!

Soube das sereias há alguns anos, folheando a edição de 5 de abril de 1952 de O Cruzeiro. Um artigo de Câmara Cascudo dava conta da excentricidade. Passei pela igreja no final de 2008, mas só conheci a parte externa. Dessa vez, entrei e fui buscar as mulheres com rabos de peixe no altar do Santíssimo.

Segundo Cascudo, elas estão lá desde 1779 e não são de ordem erótica, mas símbolos funerários. Ele vai a três séculos antes da igreja de Cristo para explicar a ligação da sereia com a morte, em um tempo e lugar onde elas eram seres alados. Sereia com rabo de peixe, parece, é coisa nossa. Ainda assim, faz sentido que essas também estejam relacionadas à morte. Afinal, o que faz uma sereia quando encanta um homem? Também parece estar relacionado aos desejos, a sedução, aos prazeres, à “perdição” que este caminho leva. Arriscaria dizer que pode haver um sincretismo entre arte, regionalismo e religião. Sabe Deus o que as diabinhas do mar estão fazendo lá!

Cascudo também diz que não conhece outro exemplo desse tipo no Brasil. Não dou certeza, mas se não me falha a memória (ela é muito boa, mas falha), também há sereias na entrada da Igreja de São Pedro, em Recife, Pernambuco. Nem preciso dizer que voltarei a ambas para tirar tudo a limpo, não? Por enquanto, fiquem com o artigo de O Cruzeiro, com as imagens da época e com as que fiz agora (as sereias tiveram pelo menos uma restauração desde então, pelo que sei, no final da década de 1970).

.

Mais fotos no Twitpic ou em meu perfil no Facebook.

Alma seca e faminta. Achando que havia dormido muito, preferi subir a Consolação de ônibus. De onde estava, é um trajeto de menos de dois quilômetros até a Paulista, mas na programação do dia constavam pelo menos seis exposições e eu queria começar cedo. O cobrador do ônibus fez uma cara estranha quando apresentei uma nota de dez reais. Parecia nunca ter visto dinheiro. Os passageiros começaram a me olhar e o motorista arrematou: “É. Acontece!”. Mais tarde, eu seria apresentado ao Bilhete Único, essa prodigiosa invenção da administração público-privada que nos dá a oportunidade de subir e descer dos coletivos quantas vezes puder, durante três horas, pagando uma só passagem. Em São Paulo, ando a pé (muito!) e de Metrô. Quase nunca de ônibus. Mas a possibilidade foi bem recebida e cheguei a desejar esse poder em toda em qualquer cidade por onde passar.

Desci no Belas Artes e resolvi aproveitar o sol tímido para fotografar alguns pontos da Avenida Paulista. Até o primeiro local de exposições – o Itaú Cultural –, era uma caminhada de 2,5 quilômetros. Passei novamente pelo Trianon para conferir a iluminação da manhã nas esculturas. Mais adiante, topei com o Citibank, que tem um espaço cultural que eu nunca havia visitado. Estava acontecendo a exposição Cenas da vida de um pintor, de Sergio Lucena. Paraibano que morou na Chapada dos Guimarães, Berlim e, agora, em São Paulo, o artista apresentava, nessa mostra, alguns quadros de várias séries criadas a partir de 2003: Deuses da Terra, Paisagens e Aenigma. Anterior a este período, chamou-me a atenção O Arauto (óleo sobre tela, 1995). Alguns dos quadros expostos – e muitos outros – podem ser vistos no site de Sergio Lucena. Também há um vídeo, no qual o pintor fala sobre a exposição .

Saindo do Citibank, percebo que São Pedro estava de sacanagem. Seria um chove-para-chove durante o dia inteiro. Esgueira daqui, esconde dali, cheguei ao Itaú Cultural pouco antes das 11 horas. Duas exposições aconteciam lá: Ocupação Paulo Leminski e A invenção de um mundo.

O poeta, romancista, compositor, tradutor e praticante de artes marciais Paulo Leminski foi o terceiro homenageado do projeto Ocupação do Itaú Cultural. Painéis, fotos, poemas, vídeos, áudios, diversos ambientes, procuravam mostrar suas várias faces. A intenção é esclarecida logo no início da apresentação do curador Ademir Assunção, que pergunta: “Com quantos Paulos se faz um Paulo Leminski?”.

Manuscritos e cadernos com originais datilografados dividiam espaço com porta-retratos digitais com poesias e estações interativas de vídeos e computadores. Em cada ambiente, um Leminski diferente. Havia até um dojô, onde se podia deitar e escutar suas divagações sobre artes marciais e poesia (veja abaixo um trecho do vídeo).

Pelas paredes, Leminskis em tamanho natural, versos espalhados:

Queria entrar
com os dois pés
no peito dos porteiros
dizendo pro espelho
- cala a boca
e pro relógio
- abaixo os ponteiros

Infelizmente, a Ocupação não podia ser fotografada. Espero que os espaços culturais brasileiros aprendam logo a conviver com essa possibilidade e saibam diferenciar fotógrafos profissionais, amadores e picaretas. A psicose é tanta que, às vezes, fica-se pouco ou nada à vontade para apreciar a exposição. Contei um segurança passando seis vezes por mim durante pouco mais de três minutos em que permaneci sentado escutando um áudio. E só eu estava na sala. Constrangedor. Não fosse isso/ e era menos/ não fosse tanto/ e era quase. Mas a paranoia ainda estava por se manifestar mais intensamente…

A invenção de um mundo – exposição de fotos e vídeos – ocupa três andares do Itaú Cultural e pode ser visitada até 13 de dezembro. Reserve uma hora e meia para ver tudo. Comecei pelo primeiro subsolo, onde está o que considero a nata dessa mostra, que é parte do acervo da Maison Européenne de La Photographie, de Paris. Nesse andar, há trabalhos de doze fotógrafos: Bettina Rheims (França), Christian Carez (Bélgica), Georges Rousse (França), Joan Frontcuberta (Espanha), Paolo Ventura (Itália), Sandy Skoglund (Estados Unidos), Sarah Moon (França), William Wegman (Estados Unidos); os brasileiros Vicente de Mello e Vik Muniz; e os meus preferidos, Les Krims (Estados Unidos) e Jan Saudek (República Tcheca).

De Les Krims, são apresentadas fotos da série The incredible case of the stack o’wheats murders (O incrível caso do assassinato das pilhas de panquecas), de 1972. Nessa série, ele ironiza as fotografias forenses utilizando corpos (amigos e parentes), panquecas e xarope de chocolate. “Esta obra conceitual, completamente fabricada, foi inspirada em fotografias tiradas na cena de um assassinato que vi em um arquivo de polícia criminal (…) Eu queria mostrar como a fotografia tem pouco valor como testemunho e como um fotógrafo pode se tornar um manipulador”, explica o próprio autor. Na década de 70, Les Krims se destacou por “encenações fotográficas muito pessoais nas quais coloca, em cenários barrocos e oníricos, objetos característicos da sociedade de consumo justapostos com personagens burlescos e incongruentes”, lembra o texto que o apresenta.

Jan Saudek é alguém que necessariamente deve ser chamado de artista. Fotógrafo, desenhista e pintor desde os 15 anos de idade, usa seus talentos nessas áreas para criar imagens fantásticas e provocadoras com grande carga de erotismo, incluindo bebês, adolescentes e mulheres carnudas. O tcheco mostra composições fortemente expressionistas, muitas vezes criadas no porão de sua casa. Em seu site oficial é possível apreciar centenas de suas fotos. Os roqueiros com mais de 30 devem lembrar de pelo menos um de seus trabalhos, Fate Descends towards the River Leading Two Innocent Children (1970), que virou capa do disco Grave Dancers Union, do Soul Asylum, no início dos anos 90.

No segundo subsolo, há sete instalações de vídeos. Nele, fui proibido de usar caneta para fazer minhas anotações. Explicação? Estando a quatro metros da primeira tela, havia “o perigo de sujar com tinta e é difícil de sair”. Não fosse tão bonitinha e educada a japonesinha que veio me dizer isso, eu teria me aproximado e simulado ânsias de vômito. Estamos falando de uma tela de televisão de plasma, não de uma tela com uma pintura! Uma tela que pode ser trocada caso aconteça algo. Se fosse um quadro… ah, tudo bem, já jogaram mesmo um monte de tinta nele! Passa a estupefação inicial, peguei uma lapiseira e me aproximei bastante das telas para aproveitar a luz (mentira! foi só para apavorar os pobres garotos que tomavam conta do local).

A sensação de andar em uma grande sala escura na qual se vai descobrindo vídeos é interessante. A forma com que alguns deles é montada também aumenta o impacto da mensagem a ser transmitida, como o trabalho sem título de Laurent Grasso (França), que parece levar o espectador para dentro do cenário, em tamanho real, onde passa a ação do filme: uma rua tomada por uma imensa nuvem de poeira que vem avançando na direção de quem assiste. O mesmo cuidado é mostrado na instalação que mostra o vídeo Identidade, da brasileira Cris Bierrenbach. À altura do espectador, vê-se em um monitor de tevê uma mulher cortando o cabelo. A impressão é de estar frente a um espelho. Também me pareceu interessante La bôite d’allumettes, do russo Tim Parchicov, mas achei que nele o som tem mais importância que a fotografia. Não é o que se sente em Naufrage, da francesa Clorinde Durand. Apesar de a música ter importante função na dramaticidade da história, as cenas em câmera lenta mostram claramente que o que vemos em movimento, na vida real ou em um filme, é um conjunto de instantes. Cada quadro é um convite ao olhar. Em alguns instantes, a impressão que se tem é de que “a pessoa na fotografia se mexeu”. Abaixo, um vídeo (em francês) onde a autora fala sobre esse trabalho.

No primeiro mezanino, é evidente a temática do questionamento sexual em quase todos os trabalhos. A exceção talvez fique por conta apenas da interessante instalação de Charles Matton (França), na qual se vê, dentro de uma caixa, a imagem animada de um homem sentando-se ao piano e tocando. A ilusão é provocada pela soma do instrumento em escala, projeção de vídeo e um jogo de espelhos. A “caixa mágica (…) cria um real ficcional que põe as aparências em dúvida”.

Nesse andar, chamaram minha atenção, principalmente, as situações surreais e personagens grotescos de Joel-Peter Witkin (Estados Unidos); os autorretratos travestidos e fotomontagens de Pierre Molinier (França); e as 29 fotos da série The journey of the spirit after death (A jornada do espírito após a morte), de Duane Michals (Estados Unidos). É com uma pequena mostra do trabalho desses três fotógrafos que encerro a primeira metade de visitas a exposições desse dia.

A exposição, que inaugura o novo espaço cultural, mostra 25 trabalhos inéditos, todos dentro do universo dos cajus, dunas e mar. Vatenor começou a pintar de forma autodidata há 34 anos e já fez mais de 30 exposições individuais no Brasil e no exterior.

Clique aqui para ler uma matéria que fiz com ele para o Natal na Íntegra, em 1999.